Autor: Pedro Cleto

15 de Março de 2016

Os (quase) inqualificáveis Guardians of the Galaxy

Com muitos anos como leitor de BD – quase tantos quantos tenho de vida – já vi – e li – as mais surpreendentes – e (quase) inqualificáveis – propostas, das mais variadas proveniências. Guardians of the Galaxy é um dos exemplos mais recentes.

Exemplo recente, entenda-se, em termos de leitura pessoal, pois o conceito dos Guardians of the Galaxy e os seus protagonistas – apesar de muitos o desconhecerem – foram criados em 1969, por Arnold Drake ((Arnold Drake (1924-2007), argumentista norte-americano que trabalhou para a DC Comics e a Marvel, em especial nas décadas de 1960 e 1970.

Na primeira, foi co-criador de Doom Patrol (em 1963, com Bruno Premiani e Murray Boltinoff), tendo escrito histórias de Batman e Plastic Man, e participado nas revistas The Adventures of Bob Hope, The Adventures of Jerry Lewis ou House of Mistery, entre muitas outras.

Na Marvel, para além de ter criado Deadman (em 1967, com Carmine Infantino), teve passagens pelo Captain Marvel e pelos X-Men.)) e Gene Colan ((Eugene Jules Colan (1926-2011), desenhador norte-americano que tem no currículo dezenas de histórias para a DC Comics e a Marvel.

Com passagem pelos maiores super-heróis das duas editoras, os seus trabalhos mais marcantes foram Daredevil (entre 1966 e 1979), Howard The Duck (1976-1979) e The Tomb of Dracula (1972-1979). Foi igualmente co-criador de Falcon (com Stan Lee, em 1969), futuro parceiro do Captain América e na época o primeiro super-herói afro-americano.)).

A estreia aconteceu em Marvel Super-Heroes #18 ((Em Janeiro de 1969.)). Na altura a acção situava-se no século XXXI, um futuro longínquo da terra 691, uma linha narrativa alternativa da Marvel, e os Guardians of the Galaxy originais uniam-se para combaterem a irmandade Badoon, uma raça extraterrestre que queria conquistar os planetas do sistema solar.

Os seus membros eram o major Vance Astro (ou Major Victory), um astronauta do século XX que tinha estado em animação suspensa, Martinex T’Naga, um ser cristalino do planeta Pluto, Captain Charlie-27, soldado de Júpiter, Youndu Odonta, uma selvagem nobre azul de Centauri-IV, todos exemplares únicos das respectivas raças. Starhawk, Aleta e Nikki uniram-se aos guardiões durante os primeiros confrontos, mas a verdade é que as aparições esporádicas do grupo ao longo dos anos seguintes, até final da década de 1970, mesmo em revistas como Thor ou The Avengers, não conseguiram impô-los junto dos leitores, pelo que não surpreende que não haja grande memória deles.

No início de 1990 foi ensaiado um regresso do grupo, em título próprio, então escrito e desenhado por Jim Valentino ((Jim Valentino (1952-), argumentista e desenhador norte-americano, entrou no mundo dos quadradinhos na década de 1970, com comic autobiográficos, iniciando um percurso com passagens pela revista Cerebrus (de David Sim), onde publicou Normalmen, e pela Renegade Press, antes de integrar a Marvel Comics, de onde sairia em 1992 para se tornar um dos fundadores da Image Comics.)), que seria substituído por Michael Gallagher ((O norte-americano Michael Gallagher, para além dos Guardians of the Galaxy, escreveu histórias da linha What If?, tendo igualmente trabalhado em edições de Alf, Sonic e na revista MAD.)), a partir do #29, que ficaria responsável pela revista até ao seu encerramento, após 62 edições.

Fechado este breve resumo da ‘pré-História’ dos Guardians of the Galaxy, entramos no presente e no grupo que hoje – um momento que poderá ser breve e efémero como todos sabemos – é um dos mais populares e (re)conhecidos da Marvel.

O princípio de um grupo de heróis cósmicos – de que todos certamente conseguiríamos citar outros exemplos – foi retomado por Dan Abnett ((Dan Abnett (1965-), argumentista britânico escreveu histórias de Doctor Who e para a revista 2000 A.D. (Vector 13 e Sinister Dexter, entre muitos outros), antes de ir para os Estados Unidos onde assinou para a Marvel, relatos de Punisher ou a saga Annihilation.

Trabalhou igualmente em diversos títulos da DC Comics e da Wildstorm.)) e Andy Lanning ((Andy Lanning, argumentista e desenhador, igualmente britânico tal como Dan Abnett, fez com ele boa parte do seu percurso, tendo em comum títulos como Punisher, Nova, Batman ou Star Trek: Voyager.)) em 2008, com a composição que agora conhecemos: Peter Quill, o filho do senhor das estrelas, Gamora, filha adoptiva de Thanos e a mais letal assassina conhecida, Drax, um criminoso hiperviolento cego pelo desejo de vingança, Rocket Raccoon, um guaxinim antropomórfico caçador de recompensas e a árvore humanóide Groot, e ainda Adam Warlock, Phyla-Vell e Mantis.

Uma combinação altamente improvável, de que Abnett e Lanning tiraram pouco partido – digo eu – numa série de narrativas pesadas e até confusas, que certamente me teriam afastado em definitivo de novas leituras, se fosse nelas que eu me tivesse iniciado nas sagas dos Guardians of the Galaxy.

Mas não foi; conheci-os na sua fase mais recente, na abordagem de Brian Michael Bendis ((Brian Michael Bendis (1967-) Argumentista norte-americano que se destacou com Jinx, Sam and Twitch ou Powers, para a Image Comics.

Actualmente na Marvel, já passou de forma marcante e quase sempre memorável por praticamente todos os grandes títulos da editora, num percurso que se iniciou com Ultimate Spider-Man (2000).)), bem diferente e com muito mais humor e acção, ingredientes com os quais conseguiu tirar maior partido do cocktail imaginado por Abnett e Lanning.

A sua transferência para o nosso tempo, uma das opções acertadas daquela dupla, permite a sua interacção com algumas das franquias actualmente mais populares da Marvel – Avengers, Ângela… – e assim potenciar a sua mediatização.

Depois, combinou nas doses certas as qualidades (?) e características de cada um dos integrantes do grupo: inteligência, sensualidade, força bruta, humor e… decoração vegetal (?!). Dessa forma, os relatos dinâmicos, plenos de acção, com combates épicos e situações extremas são recorrentemente pontuados pelo humor mordaz, certeiro – e às vezes mesmo brejeiro – de Rocket Raccoon, pelo tom monocórdico da única frase que Groot profere – I am Groot… – pelas hormonas em ebulição de Peter Quill e Gamora – mesmo que possam buscar outros parceiros pontuais -, contributos que servem para aligeirar e ao mesmo tempo expandir o tom da série – o que claramente faltava na versão de 2008.

Dessa forma, transformou os Guardians of the Galaxy como que numa família disfuncional, composta por desajustados cósmicos que, apesar de todas as diferenças, choques, empatia ou falta dela e conflitos, conseguem levar a bom termos as sucessivas missões em que devem salvar o mundo., com uma proximidade – já por muitos assinalada – ao modelo – deixem-me chamar assim – que fez boa parte do êxito das duas trilogias cinematográficas de Star Wars. Este modelo, transposto também para o filme que estreou no Verão passado – uma aposta de algum risco mas plenamente ganha – justifica igualmente o sucesso por ele alcançado e as notícias de uma nova película em 2017, uma previsível participação em The Avengers 3 e o desenvolvimento de uma versão animada, em fase de pré-produção.

Voltando à banda desenhada, uma nota final para a escolha criteriosa dos sucessivos desenhadores que têm acompanhado Bendis, com destaque para o inicial Steve McNiven e, depois, para os diversos comics desenhados pela revelação Sara Pichelli, não cometendo a injustiça de esquecer a uniformidade conferida pelo excelente colorido de Justin Ponsor.

Comecei este texto dizendo que já vi – e li – as mais surpreendentes – e (quase) inqualificáveis – propostas, das mais variadas proveniências e que Guardians of the Galaxy é um dos exemplos mais recentes.

Quero concluir afirmando que – mais de uma vez – comprovei que é possível ser estimulado e surpreendido com conceitos que – à partida – parecem aberrantes e (quase) inqualificáveis. Foi o caso de Guardians of the Galaxy.

2 de Dezembro de 2014

Y, The Last Man

Brian K. Vaughan ((Brian Keller Vaughan nasceu em 1976, em Cleveland, Ohio, nos Estados Unidos. As suas primeiras publicações em banda desenhada tiveram lugar a partir de 1997, quando teve breves passagens por títulos da Marvel (X-Men, Spiderman) e da DC Comics (Batman, Justice League of America, Green Lantern ou Swamp Thing). Y, The Last Man (Vertigo, 2002), Runaways (Marvel, 2003), Ex-Machina (Wildstorm, 2004), Pride of Baghdad (Vertigo, 2006) e Saga (Image, 2012) são os principais títulos deste argumentista, já distinguido com 9 Eisner Awards, que também escreveu alguns episódios da série televisiva Lost.)) e Pia Guerra ((Nascida em 1971, nos Estados Unidos, mas tendo cidadania canadiana, Pia Guerra publicou os seus primeiros trabalhos no início da década de 1990, em colectâneas como The Big Book of Urban Legends ou Dark Horse Presents. Em 2002 foi co-criadora, com Brian K. Vaughan, de Y, The Last Man, que lhe valeu dois Eisner Awards. Após terminar esta longa saga, diminuiu drasticamente a sua produção, mas é possível encontrar pontualmente a sua assinatura em Doctor Who, Simpsons’s Treahouse of Horror – em parceria com o seu marido Ian Boothby, também convidado da Comic Con Portugal – ou Spider-Man Unlimited.)), dois dos autores que vão estar presentes na Comic Con Portugal, de 5 a 7 de Dezembro, têm uma obra em comum: Y, The Last Man ((Vaughan, Brian K. e Guerra, Pia (2002) Y, The Last Man. Vertigo. Nova Iorque, Estados Unidos. Obra publicada entre 2002 e 2008, em 60 edições mensais que totalizam quase 1500 páginas, foi posteriormente compilada em 5 volumes.)), uma longa viagem iniciática…

Y, The Last Man

Planeta Terra. 17 de Julho de 2002. Uma misteriosa epidemia dizima em poucos segundos todos os homens e todos os animais machos do planeta.

De um momento para o outro, o planeta perdeu quase metade da sua população global, quase todos os proprietários das maiores fortunas segundo a Forbes, a maioria dos governantes mundiais, dos pilotos, dos capitães de longo curso, dos motoristas de camião, dos presidiários, dos operários das indústrias pesadas, dos soldados e (praticamente?) todos os sacerdotes das mais representativas religiões…

Naquele instante fatal, a maioria dos aviões em voo despenharam-se, os navios em curso perderam o rumo, o trânsito nas grandes metrópoles e vias de acesso tornou-se impossível pela multiplicidade de viaturas acidentadas. Com os governos decapitados, com as forças da ordem paralisadas, sobreviver a todo o custo tornou-se o lema da maioria das mulheres sobreviventes.

A essa epidemia sobreviveram Yorick Brown, um jovem, e Ampersand, o seu macaco-capuchinho. No momento da tragédia, o último homem da Terra estava ao telefone com a sua namorada Beth, algures nas planícies australianas e acabava de a pedir em casamento. Encontrá-la passa a ser o seu principal objectivo, embora as circunstâncias o vão obrigar a fazer (múltiplos) desvios.

Partindo ao encontro da mãe – ex-ministra da agricultura, obrigada a assumir a presidência do país – é por ela confiado à agente 355, membro de uma organização secreta, o Círculo Culper, utilizada secretamente pelo governo para missões delicadas. O objectivo é que encontrem a dr.ª Alisson Mann, uma conceituada bioengenheira, com o intuito de que ela descubra por que razão ele e o seu bicho de estimação foram poupados, para a partir daí tentar evitar a extinção completa do ser humano.

Inicia-se então uma longa jornada, primeiro a dois, depois a três, que ao longo de meses- que se transformarão em anos – os levará a cruzarem os Estados Unidos e, mais tarde, mesmo à Austrália, ao Japão e finalmente à Europa, numa busca iniciática.

Em sua perseguição – em diferentes momentos e com diferentes intuitos – vão ter as novas amazonas, entre as quais Hero, irmã de Yorick, apostadas em destruir todas as memórias da passagem dos homens pela terra, um comando israelita chamado pela mãe de Yorick, dissidentes do Círculo Culper ou uma guerreira ninja nipónica a soldo de um misterioso empregador.

Apesar de uma ou outra questão temporal menos bem resolvida – a travessia dos Estados Unidos, feita de carro, mota, comboio, cavalo ou a pé, arrasta-se por muitos meses – a narrativa vai avançando de forma consistente, com sucessivos flashbacks que mostram onde estavam os diferentes intervenientes no momento da tragédia e também situações pontuais do seu passado que explicam as suas opções no presente.

Ao longo das jornadas, vão-se cruzando com sobreviventes, isoladas ou em pequenas comunidades. Algumas delas tentam seguir em frente, vivendo de acordo com aquilo que a nova ordem – ou será desordem? – lhes permite; outras esforçam-se por criar novas estruturas, mais flexíveis e adaptadas aos novos tempos; como sempre alguns grupos tentam aproveitar-se da situação para seu benefício ou para subjugarem outras; finalmente, algumas fazem patéticas tentativas de recuperar o que até aí existia.

Vaughan aproveita estes sucessivos encontros/recontros, para traçar um retrato pouco abonatório do ser humano – e o facto de retratar apenas mulheres não tem nada de sexista – mostrando o melhor e o pior do ser humano, enquanto acompanhamos e aprendemos a conhecer melhor os três protagonistas na busca iniciática de si mesmos e da felicidade e vemos como perante uma situação limite o ser humano tem tendência a mostrar o melhor e/ou o pior de si mesmo.

Não por acaso, aliás, escolheu para personagem central um adolescente tardio – deixem-me defini-lo assim – impulsivo, raramente razoável, poucas vezes adulto, o que provoca uma série de situações ambíguas, complicadas, perigosas ou mais do que isso.

Protagonista de uma obra com uma forte tensão sexual – e apesar do muito que é sugerido e mesmo (do pouco) que é mostrado, não é difícil imaginá-la mais explícita se fosse criação europeia – num mundo em que predomina o ódio ao macho, Yorick Brown, curiosamente, mais do que ser desejado como objecto sexual pelas sucessivas mulheres que vai encontrando, é quase sempre perseguido por ainda estar vivo. Ao mesmo tempo, enquanto amadurece e se torna mais adulto – analisar o seu percurso ao longo da saga é um exercício bem estimulante – a sua posição vai evoluindo da jura de fidelidade a todo custo à sua namorada, que julga algures no deserto australiano para se ir aos poucos deixando atrair e seduzir por várias das mulheres com quem se vai cruzar, numa mudança progressiva e subtil que demora algumas centenas de páginas até ser consumada.

O conjunto, com inúmeras referências à cultura pop e à cultura norte-americana que ajudam a sustentá-lo e lhe dão credibilidade, depois de um início forte e acelerado, vai perdendo em ritmo o que ganha em complexidade, até ao final, suficientemente explícito e credível para dar (uma enorme) coerência ao todo mas também aberto quanto baste para que seja o leitor a tirar as suas conclusões.

Pedro Cleto escreve habitualmente no blogue As Leituras do Pedro.

30 de Setembro de 2014

Diversão no parque

A relação entre a banda desenhada e a temática policial é quase tão antiga como os próprios quadradinhos.

Parker, de Darwyn Cooke, é um dos mais recentes exemplos de sucesso.

Entre aqueles que inauguraram esta relação, dois dos mais significativos são Dick Tracy ((Criação de Chester Gould (1900-1985), estreou-se no Chicago Tribune a 4 de Outubro de 1931; apesar do seu traço caricatural, pode ser considerado um dos mais duros e violentos registos policiais em BD.)) e Secret Agent X-9 ((Detective antes de se distinguir como agente do FBI, o agente secreto X-9, que o Jornal de Notícias publicou durante décadas, surgiu a 22 de Janeiro de 1934, no Evening Journal. Era escrito pelo romancista Dashiel Hammett (1894-1961), criador do detective Sam Spade e do aventureiro Continental Op, que serviram de inspiração para este herói de BD. O desenhador era Alex Raymond (1909-1956), que anos depois, em 1946, criaria um outro detective de referência: o fleumático Rip Kirby.))

Não sendo intuito deste artigo debruçar-se exaustivamente sobre a banda desenhada de temática policial, não consigo deixar de citar mais quatro obras paradigmáticas, embora díspares em termos de origem geográfica, público-alvo e conceitos. São elas Ric Hochet ((Publicado em profusão nas páginas da revista Tintin portuguesa, Ric Hochet estreou-se na sua congénere belga em 30 de Março de 1955; curiosamente, as suas primeiras histórias eram contos ilustrados que, antes do desfecho, desafiavam o leitor a descobrir o criminoso. Os seus criadores foram André-Paul Duchateau (1927-), também autor de dezenas de romances policiais, e Tibet, pseudónimo de Gilber Gascard (1931-2010).)), as adaptações efectuadas por Jacques Tardi (1946-) ((A partir dos romances policiais do francês Léo Mallet (1909-1996), protagonizados pelo detective Nestor Burma.)), Sin City ((Policial negro, hiper-violento, escrito e desenhado por Frank Miller desde Abril de 1991, quando a primeira história curta foi publicada na revista Dark Horse Presents Fifth Anniversary Special.)) e Julia ((Ou J. Kendall – Aventuras de uma criminóloga na versão brasileira da Mythos Editora que é distribuída em Portugal. Criação de Giancarlo Berardi para a Sergio Bonelli Editore, surge mensalmente em Itália desde Outubro de 1998.)).

Richachard’s Stark’s Parker: Slayground

De Darwyn Cooke. Mas entremos – finalmente! — em Parker, que a introdução já vai longa. Contrariamente ao que é mais habitual na temática policial, Parker é um criminoso, que se distingue pelos golpes, geralmente levados a cabo em grupo, cuidadosamente seleccionados e preparados — o que não é sinónimo de que tudo resulte da forma que foi imaginada, para bem da história.

Longe dos conceitos de anti-herói ou de criminoso sedutor, Parker é insensível, determinado, sem ser partidário da violência mas não tendo pejo em utilizá-la, e distingue-se pela forma fria e calculista como passa pelas histórias, abdicando de amigos ou de sócios do momento, em nome do seu bem-estar e dos objectivos — quase sempre dinheiro – que se propôs.

Criação literária de Donald Edwin Westlake (1933–2008) ((Escritor norte-americano, responsável por mais de uma centena de livros de temática variada, mas em que se destacam os de cariz policial. Estreou Parker em 1962, em The Hunter, tendo-o levado a protagonizar outras 16 histórias até 1974; promoveu o seu regresso em 1997, para mais 7 livros.)) as histórias protagonizadas por Parker são apelativas pela forma como equilibram acção, suspense e emoção, em doses não equitativas, pela originalidade das situações criadas e pelos desvios surpreendentes à linha narrativa originalmente explanada.

Isso foi transposto com fidelidade para a BD por Darwyn Cooke, que teve a capacidade – nem sempre presente quando se trata de adaptações – de transpor o espírito do original para as suas pranchas ao mesmo tempo que exibe as características próprias do novo suporte; ou seja, no Parker da BD não há longas transcrições/versões do texto original, pelo contrário Cooke aposta claramente no predomínio narrativo do desenho, como aliás fica evidente — de forma muito marcada – no livro que hoje me ocupa, complementada com monólogos/diálogos sóbrios, contidos e incisivos, que contribuem para que o leitor tenha de mergulhar nas pranchas para usufruir plenamente do que se desenrola perante os seus olhos.

Slayground – o quarto volume de Parker, versão Darwyn Cooke – retoma um romance de 1971 que, de alguma forma, explora de forma original o conceito de narrativa em espaço fechado, uma vez que a maior parte da acção decorre no interior de um parque de diversões encerrado durante o Inverno – por isso sob neve e frio intenso. O recurso ao azul acinzentado como única cor a compor e a dar volume ao traço preto, contribui para reforçar a sensação de frio e ajudar o leitor a embrenhar-se mais no ambiente pretendido, ao mesmo tempo que de certa forma lhe confere um tom retro que a aproxima da época anos 1960/1970 — em que a acção se passa.

O início deste tomo — leia-se quase uma vintena de páginas — é magnífico, com um assalto a uma carrinha blindada e consequente fuga de Parker e dois parceiros, a serem narrados (quase) sem recurso a palavras, numa planificação com vinhetas desprovidas de contornos que parecem tornar maior o espaço – aumentando a área branca, de neve… — em que as cenas se desenrolam. Em complemento, Cooke acrescenta sucessivas mudanças de ritmo, como é o caso do despiste subsequente (quase) em câmara lenta, que contrasta com a perseguição em alta velocidade que até aí decorria, aumentando a adrenalina do assalto que ainda pulsava.

Sobrevivente em fuga com parte do produto do roubo, Parker refugia-se – numa armadilha sem saída…? — no tal parque de diversões encerrado, onde se verá envolvido com gangsters à procura de dinheiro fácil e polícias corruptos, num relato cujo móbil, com o correr das páginas, passará a ser a vingança.

Por influência (?) do espaço em que tem lugar e/ou devido a alguns dos estratagemas a que Parker recorre, a verdade é que a narrativa – apesar dos momentos de tensão e da violência que lhe são inerentes – acaba por assumir um (surpreendente) tom de quase diversão que, a par com o limitado cenário de acção, são as principais notas distintivas de Slayground.

Hesitei em incluir estas últimas linhas – porque o texto já vai longo — mas acabei por considerar que fazem, todo o sentido.

Este tomo fecha com a adaptação de The Seventh (narrativa de 1966), uma história curta de uma dezena de pranchas que parece contrariar o que atrás escrevi, pois há um (quase) excesso de texto de apoio para contextualizar a (curta) acção que nos é descrita, mas, no entanto, a opção de Cooke não poderia ter sido outra para fazer funcionar o ‘gag’ final que justifica o título – e fazer a ligação com Slayground pela utilização do humor, negro.

26 de Agosto de 2014

Mais cinco comics que fazem parte da minha vida

Depois de no mês passado ter destacado cinco bandas desenhadas de super-heróis enquanto obras que mudaram e moldaram os meus gostos e expectativas, este mês vou de alguma forma repetir a dose, mas evocando cinco comics independentes ((Independentes das duas grandes editoras de comics de super-heróis, a Marvel e a DC Comics, ou, se preferirem, alternativos – a esses mesmos comics mais comerciais de super-heróis…)) (que também) fazem parte da minha vida.

Num plano diferente, sem dúvida, porque menos populares/mediáticos/(re)conhecidos do que os comics de super-heróis que referi então – e que, sem qualquer dúvida, são consensuais dentro do género — mas igualmente importantes por terem contribuído para alargar os meus horizontes enquanto leitor de quadradinhos.

Antes de o fazer, necessito de um breve preâmbulo, para evocar a minha participação na organização e produção do Salão Internacional de Banda Desenhada do Porto, ao longo de todas as suas edições, pois isso permitiu-me não só conhecer pessoalmente alguns dos autores que, a diferentes níveis, me marcaram – Prado, Davodeau, Schuiten, Peeters, Trondheim, Baru, Dupuy, Berberian… — enquanto leitor de quadradinhos, mas também descobrir nomes que desconhecia – de que nunca tinha sequer ouvido falar — e que apresentavam outro tipo de registos, de propostas, de desafios, que se revelaram também estimulantes.

Propostas que, confesso, não me marcaram tanto como os “Cinco comics de super-heróis que fazem parte da minha vida”, pois a maior parte deles dificilmente fariam parte das 20, 30, 50 melhores obras que já li. Mas propostas que, sem dúvida, contribuíram para que eu me atrevesse a descobrir algumas dessas 20, 30, 50 melhores obras que já li.

Isso foi possível graças à combinação de gostos e universos de quem organizava o SIBDP, em especial a partir da sua sexta edição. Foi dessa forma que encontrei – e nalguns casos passei a seguir – nomes na época ainda pouco conhecidos, mas que se viriam a afirmar como fundamentais na criação aos quadradinhos das últimas três ou quatro décadas. Dave McKean, Ed Brubaker, Joe Sacco ou Seth são os mais significativos que me ocorrem, ao correr dos dedos pelo teclado, entre os que passaram pelo Mercado Ferreira Borges, no Porto, que acolhia o SIBDP.

Mas, sem mais demoras, passemos então à mão cheia de obras que quero propor hoje, apresentadas sem qualquer critério de ordenação.

Optic Nerve

De Adrian Tomine. Comic aperiódico, com registos, quase sempre curtos, entre o autobiográfico e a ficção social – se posso chamar-lhe assim -, que revelam um autor – que é tímido mas – atento e capaz de explanar aos quadradinhos pormenores quotidianos, dramas íntimos, emoções ou formas de estar em que – paradoxalmente – revela tanto de si.

Eye of the Beholder

De Peter Kuper. Um desafio ao olhar e à mente do leitor. Quatro vinhetas numa página que são resolvidas/unidas/explicadas pela vinheta final, impressa no verso das outras quatro. Uma forma inteligente de mostrar como o nosso olhar, distorcido pela nossa formação/cultura/posição social interpreta – tantas vezes – mal as coisas simples do dia-a-dia.

Visitations

De Scott Morse. Um relato contido, pausado, em que cada frase é para ser lida, meditada, sentida como cada personagem a sente, e no qual nos é mostrado que Deus – afinal? – existe. Nós é que não o queremos – sabemos? – ver…

The left gang bank

De Jason. Uma história ambientada em Paris, França, no início da década de 1920, protagonizada por F. Scott Fitzgerald, Ernest Hemingway, Ezra Pound, James Joyce… Artistas (e) boémios, invejosos uns dos outros, amantes de longas conversas, belas mulheres e bom vinho. Criadores de excepção, cujo génio e méritos ficam expressos nas obras que criam… em banda desenhada, a arte que impera neste universo paralelo perfeitamente identificável.

A meio do relato, uma mudança de agulha transforma esta metáfora gráfica num policial puro, que parte de um assalto a um banco levado a cabo com brilhantismo pelo quarteto, mas condenado pelas sucessivas traições que o leitor – rendido e de surpresa em surpresa – irá descobrir.

Hicksville

De Dylan Horrocks. Um crítico de uma conceituada revista de comics, vai a Hicksville em busca do sucessor de Jack “King” Kirby. Uma vez chegado, constata surpreso que lá se encontram os números mais raros da história dos comics, os fanzines mais obscuros, as edições menos divulgadas, os leitores mais conhecedores… Porque em Hicksville todos lêem, coleccionam, vivem ou desenham comics. Pelo amor à arte, não suportando quando esta se transforma em indústria.

E se Hicksville é – também – uma crítica feroz ao mundo dos comics mainstream, onde os grandes autores fazem carreira à custa do trabalho de dezenas de desenhadores anónimos, mais do que isso é uma obra sobre a paixão pelos comics, que mostra a vida real como um buraco negro quando comparada com o mundo ideal da BD.

Palestine

De Joe Sacco. Pela minha participação na sua edição em português ((Co-edição Mundo Fantasma/MaisBD/Devir, com o apoio da Bedeteca de Lisboa, em 2004)). Pela forma – então — inovadora e interessante como aborda o conflito israelo-palestiniano. Pelo tom – pioneiro – de reportagem — desenhada – que a obra assume, baseada nos dois meses que o autor passou na Palestina, no Inverno de 1991-92, a recolher dados e a dialogar com os seus habitantes, vivendo como eles. O resultado é um relato forte – subjectivo, claro – mas humano, sincero, pungente, por vezes chocante, sobre o que o ódio pode fazer ao ser humano. E do que o ser humano pode fazer, devido ao ódio.